sábado, 31 de diciembre de 2011

WALT DISNEY - 11: DIC Entertainment


VER ESPECIAL DIC ENTERTAINMENT

y en la sección anime...


VER ESPECIAL CUCKOO'S NEST / WANG FILMS

ESPECIAL OSCARS 2005


VER ESPECIAL OSCARS 2005

WALT DISNEY - 11: DIC Entertainment

La Sub-Productora de la que hablaré hoy es un caso aparte, no fue fundada por Disney ni pertenece a Disney, pero fue de su propiedad entre 1995 y el 2000: DIC Entertainment

La productora fue concretamente fundada en Paris, en 1971, como un estudio asociado a la Radio Television Luxemburgo, dedicado sobretodo a producir publicidad. DIC significa: Diffusion, Information et Communication.

El productor Jean Chalopin, fundador de DIC Entertainment, al igual que BRB había hecho muy buenos negocios con coproducciones japonesas como Ulysses 31 (1980), en los 80 DIC realizó más coproducciones como Los Osos Amorosos, Daniel el Travieso, Hello Kitty, Alf, la saga de Super Mario, Los Cazafantasmas El Inspector Gadget (1983 - 1986), Los Nuevos Archies (1987), o C.O.P.S. (1988 - 1989)





El éxito del inspector Gadget hizo que el principal inversor de DIC: Andy Heyward, se apropiase de la productora en 1986, Chalopin se marchó y trasladaron la sede a California, y cambiaron el nombre por DIC Animation City.

En aquella época las series de DIC las distribuía Saban, ésta productora fue fundada en 1984, y participaron en la producción o distribución de series como Dragones y Mazmorras, Tom Sawyer (1980, versión de Saban 1988), y La Aldea del Arce (1986)

Recordemos que estamos en los 80, la era de los Saturday Morning Cartoons!, Hanna Barbera, DIC y Saban eran paradigmas de aquellas productoras de bajo presupuesto que experimentaban fórmulas extrañas y hacían filigranas con los copyrights con tal de captar la atención de los niños durante las mañanas del sábado, antes que comenzara el boom de los videojuegos. Su última serie popular fue El Capitan Planeta (1990 - 1993)



Tras la primera serie del Capitan Planeta, Turner se había hecho con Hanna Barbera, por lo que ya no necesitaba de los servicios de DIC Entertainment, esta productora se fusionó con ABC para formar la nueva productora DIC Entertainment LP, realizaron las 3 series americanas del erizo sonic (1993 - 1999),Street Sharks (1993 - 1994), The Incredible Dennis the Menace (1993), Madeline (1993 - 1994) o ¿Dónde Está Carmen Sandiego? (1994 - 1995)



Pero entonces en 1995 Disney compró al grupo ABC. Quizá las series de DIC no os parezcan gran cosa, es más, no es ningún misterio que en los años 90 mantenían una fórmula de series de animación obsoleta, pero tras el quiebre de Hanna Barbera, Filmation, Ruby Spears y Rankin & Bass, Dic eran los últimos mohicanos del Saturday Morning Cartoon, para Dic los 80 no habían muerto aún, ¿pero cual sería la nueva política de Disney?

En 1995 Disney estaba on-fire, Michael Eisner quería extenderse a toda forma posible de entretenimiento familiar, incluso tratándose de fórmulas obsoletas. Disney ya tenía una sub-productora de animación: Disney Television Animation, fundada en los 80 con la intención de ofrecer una alternativa de calidad a los Saturday Morning Cartoons, ahora se había hecho con la productora ABC y de propina la última productora de Saturday Morning Cartoons. Les pusieron a trabajar en algunas de sus ya clásicas franquicias como Gadget Boy (1995–1996) y Inspector Gadget's Field Trip (1996–1998)



The New Adventures of Madeline (1995–1996)



o Sabrina: The Animated Series (1999 - 2001)



y también otras series baratas nuevas como Action Man (1995 - 1996)



El Locomundo de Tex Avery (1997)






o Extreme Dinosaurs (1997 - 1999)



También se encargaron de la edición americana de Sailor Moon (1995 - 1998) después que Bandai desestimase la exhuberante propuesta de Saban.






Disney también probó de utilizar la franquicia más valiosa de DIC: El Inspector Gadget, para producir dos Life Action's, el primero en 1999:






Aprovechando el lanzamiento de la película de Disney, en el 2001 Jean Chalopin lanzó una cuarta serie de dos temporadas y 52 capítulos del Inspector Gadget: Gadget et les Gadgetinis




Tratan sobre el Inspector Gadget, promocionado como teniente, que continúa luchando contra la organización MAD con la ayuda de dos androides con su aspecto, los Gadgetinis, fabricados por su sobrina Sofía.
Realizada por casi el mismo equipo que el Inspector Gadget original, esta serie tiene tramas más parecidas a las series de fantasía americanas, con capítulos tópicos sobre viajes al interior del cuerpo humano, a través del tiempo, etc...

Finalmente Disney hizo un último largometraje de imagen real en el 2003, directo a video.







Pero Disney no había entrado con buen pié en el nuevo siglo, sus películas estaban teniendo un éxito irregular y su único experimento que parecía haber funcionado bien había sido coproducir a Pixar. Se había acabado la época de expandirse por mercados y probar géneros que no son lo suyo... por lo que Andy Hayward re-compró DIC a Disney en el 2000.

En los años 2000 DIC ya no era lo que fue, se dedicó a coproducir con otros estudios series y especiales basados en franquicias venidas a menos, ya fueran estado-unidenses, canadienses, europeas o japoneas, como Speed Racer X (2002), Trollz (2005) o los Osos amorosos: Aventuras en Care-A-Lot (2007 - 2008)



Finalmente en el 2008 se fusionó con la productora canadiense Cookie Jar Entertainment, hoy se basan sobretodo en animaciones basadas en franquicias de tarjetas de felicitaciones como Los Osos Amorosos, Sushi Pack o Tarta de Fresa, de hecho incluso han intentado hacerse con tales franquicias.



La última serie de TV de Dic Entertainment fue Sushi Pack (2007 - 2009)



Y en cuanto a Especiales de TV (la joya de la corona del Saturday Morning Cartoon) no producen ninguno desde 'Twas the Night Before Bumpy (1996)



Entonces... ¿Dónde está el negocio de Dic Entertainment hoy en día? En las OVA's, sus últimas películas son Dr. Pinoko Forest Adventure (2011) y Unico The Movie Timmy Adventure (2011), basadas en franquicias de Tezuka Productions.



Resulta irónico que el destino del merchandising animado sea este: En vez de hacer animaciones para promocionar objetos de regalo, ahora los objetos de regalo son las propias animaciones, vendiendo los DVD's como si de tarjetas de felicitación se tratara. Creo que Disney hizo bien en deshacerse de esta productora decadente. Aunque quizá si durante los 5 años en que la poseyeron la hubieran ayudado a producir algo de calidad... quien sabe, quizá el Saturday Morning Cartoon hoy seguiria vivo.

ESPECIAL OSCARS 2005

Había comenzado la última Era de la Animación, la Era DIGITAL. Disney había renunciado a la animación 2D y pretendía demostrar que podían ser los reyes de la animación CGI incluso prescindiendo de Pixar, así que estrenaron Chicken Little. La crítica la descuartizó declarando que se habían limitado a demostrar sus habilidades con la animación CGI en vez de narrar una historia con el más mínimo interés, y no ganaron ninguna nominación a los Oscars, pero funcionó bien en taquilla (quizá debido a una profunda campaña comercial) y les dió un respiro a Disney, tras toda una serie de fracasos y éxitos ligerísimos en los últimos 5 años.

En cuanto a Pixar, había retrasado su última película para estrenar en verano del 2006. Eso sí, consiguieron una nominación por un corto realmente divertido

One Man Band - Pixar - Andrew Jimenez and Mark Andrews



Disney también distribuyó la película de Ghibli: El Castillo Ambulante




La segunda película de Ghibli en ser nominada al Oscar al Mejor Largometraje Animado. Es realmente impresionante, sin duda, aunque hay que reconocer que el manga-anime es un género maldito en la Academia. Parecía que las cosas comenzaban a cambiar, Dreamworks había dejado de perseguir a Pixar y ésta segunda ya se había coronado como la reina indiscutible del mundo de la animación, ahora los premios al mejor largometraje animados no se basarían en un duelo entre estas dos productoras, sinó más bien una muestra de las habilidades de las superproductoras que hay.

Warner produjo una película de animación stop motion de Tim Burton que fue nominada al mejor largometraje animado: La Novia Cadáver






Un momento! Esto no es Stop Motion, es CGI imitando la Stop Motion! y ni siquiera está dirigida por Tim Burton sinó por Mike Johnson. Podía ser que ahora que la animación CGI había asesinado la Cel Animation, ahora le tocaba el turno a la Stop Motion?

Dreamworks estrenó Madagascar, que a pesar de tener críticas irregulares y no ser nominada, funcionó muy bien en taquilla. Pero DW también coprodujeron otra de las películas que tenían que realizar con Aardman: Wallace & Groomit y la Maldición de las Verduras.



Sí! Una película hecha en Stop Motion puro, duro, tradicional y plastelinero, estrenada en el momento oportuno para salvar al género de su asesino digital y acabó ganando un Oscar al Mejor Largometraje Animado bien merecido.

En cuanto a Efectos Especiales...

Las Crónicas de Narnia: El León la Bruja y el Armario



Una película Disney que probó de ponerse a la altura de El Señor de los Anillos y Harry Potter presentando una puesta en escena más luminosa y de cuento de hadas. A pesar de no ser tan espectacular como las dos sagas antes nombradas, funcionó muy bien.

La Guerra de los Mundos



Spielberg se sumó a 2 modas: Las películas catastróficas y los re-makes, versionando esta película de 1953, técnicamente es buenísima, pero no tiene el encanto de los efectos especiales de George Pal.

Y la ganadora fue King Kong



se sumó a 2 modas: Las películas catastróficas y los re-makes, versionando esta película de 1933, técnicamente es buenísima, pero no tiene el encanto de los efectos especiales de Willis O'Brien. Sí! he hecho un corta-pega con la descripción de la película anterior, la verdad es que resulta enervante esta manía de Spielberg de copiar la temática de la super-super-producción de Hollywood de cada año, antes éste hombre era... hipercreativo! Sobre King Kong tecnicamente... es fantástica, desarrollaron un programa llamado City Boot para reproducir la ciudad de Nueva York de 1932 con todo tipo de personajes digitales que responden con un sistema de inteligencia artificial. Desde luego se ganaron el premio.

Y en cuanto a los cortometrajes...

9 - UCLA Animation Workshop, Thinkart Films - Shane Acker



Un cortometraje en animación CGI Post-Apocalíptico en el que luego se basaría la película homónima de Tim Burton. La verdad es que a nivel estético me parece muy original e interesante.

Badgered - National Film & Television School - Sharon Colman



¿Un corto de animación limitada a estas alturas? Bueno, ¿por qué no?

The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello - 3d Films Pty Ltd., Australian Film Commission, Film Victoria, SBS Independent - Anthony Lucas



Un original mediometraje steam punk australiano que consiste en una mezcla de animación de siluetas con todo tipo de técnicas tradicionales y digitales a la que llamaron Anymation.

Y el ganador fue:

The Moon and the Son: An Imagined Conversation - John Canemaker



Un mediometraje sobre la vida del autor y sobre su familia... Personalmente no le veo nada de especial.

Creo que el premio de este año se lo merecía Pixar por calidad o Jasper Morello por originalidad. En fin...

Y en Japón continuaban con Shin Chan, Detective Conan, Naruto, One Piece, Pokemon, resucitaron Final Fantasy con The Advent Children, y Street Fighter con Street Fighter Alfa: Generations, y disfrutaron de nuevas franquicias como Full Metal Alchemist, Mobile Suit Zeta Gundam y XXXholic.

martes, 27 de diciembre de 2011

lunes, 26 de diciembre de 2011

ESPECIAL 190.000 VISITAS!

FELIZ NAVIDAD!

Ya hemos llegado a las 190.000 visitas. Éste último mes ha habido un ligero aumento en las visitas al blog, y un aumento considerable en las visitas a la sección de anime.

Hoy voy a hablar sobre un concepto que conduce a confusiones: la Animación OEM

OEM significa Overseas Export Market, es decir, el mercado de exportaciones al extrangero. En el caso del mundo de la animación es la base de las industrias de muchos países asiáticos. Se trata de un sistema para abaratar las producciones? Por descontado, pero no siempre ha sido así. El primer país que abrió una industria OEM fue el Canadá. Disney había quebrado en 1941, para pagar sus deudas aceptó unos encargos de propaganda militarista para el ejército aliado, la productora canadiense NFB les proporcionó la infraestructura necesaria para cumplir con los encargos mientras los muy reducidos estudios de Disney se encontraban trabajando en Bambi y Saludos Amigos.



Esta colaboración supuso una importante inyección de dinero y popularidad para NFB, que a partir de entonces se convirtió en un laboratorio de animación experimental muy prestigioso. Canadá no se volvió a convertir en una sede de animación OEM hasta los años 60, en que los estudios Crawley Films se dedicaron a realizar el doblaje y la animación secundaria de series de televisión americanas como Spiderman o Rudolph the Red-Nosed Reindeer





No fue hasta la serie Rocket Robin hood en que esta productora no hizo una serie de animación completamente Canadiense. Canadá contaba con infraestructura y subvenciones del gobierno para sus estudios y una curiosa ventaja para el doblaje: Un acento norte-americano que consideraban "Más Neutro" que el de los dobladores de California, sin embargo a nivel animación el resultado dejaba mucho que desear, en la serie de Spiderman a menudo aparecían carteles con textos escritos con gramática canadiense.

Otra compañía Canadiense dedicada a la Animación OEM fue Nelvana, fundada en 1971, se dedicó inicialmente a producir especiales de TV para USA, como The Star Wars Holiday Special 1978 (a pesar de que los fans de Star Wars hoy en dia se estiran de los pelos al ver este engendro).





Un caso muy diferente de animación OEM fue el de Gene Deitch, este productor, expulsado de Hollywood por su ideología comunista fundó los estudios Rembrandt en Checoslovaquia, y continuó produciendo encargos para USA como Tom & Jerry. La série recibió críticas muy duras, al fin y al cabo no se trataba de productos innovadores como las séries de Hannah Barbera, sinó que se trataban de versiones en calidad inferior de los Tom & Jerry de toda la vida, sin embargo al ser tan barata fue muy rentable, y gustó mucho el estilo en Europa del Este, por lo que se acabó adaptando en casi todos los estudios.

Rembrandt Films ganó un Oscar al mejor corto de animación en 1960 por Munro, sobre un niño de 4 años reclutado por error por el ejército.



y ha sido nominado 3 veces más por Self Defense ... for Cowards (1962), Igra (1963) y How to Avoid Friendship (1964). Rembrandt Films aún hoy está activa.

En los 60, otra productora americana, Rankin & Bass, quiso probar fortuna con un estilo de animación poco desarrollado en USA como era la Stop Motion, para ello se fueron hasta Japón, Ésta productora comenzó con la serie The New Adventures of Pinochio (1960), realizada en un estilo de animación stop motion inventado por Tadahito Mochinaga llamado Animagic.




Rankin & Bass continuaron con la Animagic de Mochinaga, y en 1964 encontraron el formato que les haría famosos: Los Especiales de TV, General Electric les patrocinó un largometraje navideño para la TV: Rudolf the Red-Nosed Reindeer.

La Producción de Animación OEM en Japón sería ya un tema extenso al que le hemos dedicado dos especiales, ya sea produciendo animaciones encargadas por productoras occidentales:

VER ESPECIAL FALSO CARTOON

O jugando un papel decisivo en el mundo del Saturday Morning Cartoon.

VER ESPECIAL SATURDAY MORNING CARTOON MADE IN JAPAN

Rankin & Bass habían dado con un filón con la animación japonesa, y pronto se le sumaron otras productoras como Dic Entertainment, Marvel Production, Saban e incluso Warner y Disney, no se trataba de ahorrar costes, lo que buscaban estas productoras eran las técnicas de animación japonesas, que les ofrecían resultados espectaculares sin desbordar el presupuesto. Con todo y con esas llegó el momento en que el Saturday Morning Cartoon decayó, y la animación americana del Renacimiento no estaba interesada en la espectacularidad del anime, Disney cerró sus estudios de Tokyo, y los estudios de animación televisiva ahora buscaban unos estilos mucho más sencillos que pasaron a animar a Corea del Sur, series como Padre de Familia y La Liga de la Justicia Unlimited.



Tambien hay casos como Robotech: The Shadow Chronicles, que se trata de una secuela Coreana producida por DR Movie, basada en una serie de anime originalmente japonesa.



A medida que fueron creciendo los encargos de animación OEM de Corea del Sur, estos acabaron encargando su propia animación OEM a Corea del Norte. Al igual que en China durante la revolución cultural, la industria de la animación de Corea del Norte se basa en un estudio del gobierno que se dedica a realizar animaciones de propaganda comunista. A finales de los años 90, como forma de conseguir divisas, empezaron a aceptar  subcontrataciones de estudios Sur-Coreanos. Séries de animación occidentales, como Corto Maltese se han animado parcialmente en Corea del Norte.





Los animadores nor-coreanos pueden elegir entre cobrar un sueldo ridículo e insuficiente o que les paguen con sacos de arroz. Normalmente toman la segunda opción ya que el arroz lo pueden re-vender y sacarse un dinero extra. Puede parecer un trato indigno hacia los trabajadores, pero nadie se queja ya que sólo los amigos del régimen  pueden trabajar como animadores.

Actualmente la industria de la animación Coreana se encuentra en fase de crisis, ya que al subir el nivel de vida de Corea del Sur, los grandes estudios de animación ven más rentables los estudios de la India, Filipinas o el Vietnam, esto sumado a la proliferización de la animación Tradigital, y del florecimiento de la industria de los videojuegos coreanos, que se han llevado a muchos animadores de calidad, ha provocado que estudios como Nelson Shin's AKOM, que realizaron la animación OEM de la primera temporada de los Simpsons, quebrasen.



Ha habido también países occidentales con una industria de la animación OEM, como Australia y Francia, que han contado con estudios de Disney, Irlanda, donde montaron los estudios Bluth Sullivan, o Mexico, Argentina y España, que han tenido estudios colaboradores con Hanna Barbera. En el caso de producciones europeas se ha motivado mucho la coproducción entre estudios de varios países, pero aquí ya no hablaríamos de animación OEM.

Yo analizaría lo ocurrido en Japón y en Corea del Sur: Japón ofreció un tipo de animación que los americanos no sabían hacer, los coreanos ofrecieron mano de obra barata, los primeros acabaron disfrutando una Edad de Oro y volviendose la industria de la animación más grande del mundo, mientras que los Coreanos... se han encontrado con una industria sin salida. Tienen buenos animadores y productos propios interesantes, sin duda!, pero no gozan de popularidad fuera de su país, para el resto del mundo Corea es la sede mundial del trabajo sucio de la animación.

Igra

Chuck Jones formó los estudios Syb-Tower 12, y relevó a Rembrandt Films en la producción de cortos de  Tom & Jerry. Rembrandt por su banda, estaba ganando mucho prestigio con la animación independiente y tuvo otro corto nominado.

Watch Igra (1962 god. ) / Ð�гÑ�а (1962 год.) by dušan vukotiÄ� in Educational  |  View More Free Videos Online at Veoh.com

Interesante alegoría anti-belicista checo-yugoeslavo-americana del director yugoeslavo Dušan Vukotic, que había ganado un Oscar en 1961 por Ersazt, de Zagreb Films.

Crawley Films

ONTARIO

En Ontario en cambio se tomaron la industria de la Animación de otra manera que en Quebec, llegaron a la conclusión: Ya que no podemos competir con la Animación Americana... Seamos sus Negros! En los años 60 y 70, el productor Al Guest contaba con los estudios Crawley Films en Otawa y con los estudios Guest Group en Toronto, y se dedicaron a realizar el doblaje y la animación OEM de series de televisión americanas como Spiderman o Rudolph the Red-Nosed Reindeer





No fue hasta la serie Rocket Robin hood en que Al Guest hizo una serie de animación completamente Canadiense. La serie funcionó bien, y en los años 70, Al Guest, junto con Jean Mathiesonat fundaron la compañía Rainbow Animation, especializada en programas infantiles de television de bajo coste como Ukaliq, The Sunrunners, The Undersea Adventures of Captain Nemo,



o Toothbrush Family

Justice League Unlimited

  • 2004 - 2006: Justice League Unlimited



  • sábado, 24 de diciembre de 2011

    ESPECIAL STEAM PUNK


    VER ESPECIAL STEAMPUNK OCCIDENTAL


    VER ESPECIAL ANIME STEAMPUNK

    Otros géneros de anime relacionados:

    VER ESPECIAL CYBERPUNK
    VER ESPECIAL WESTERN FUTURISTA

    ESPECIAL OSCARS 2004


    ESPECIAL OSCARS 2004

    STEAM PUNK

    Steam Punk es el género de la ciencia ficción retro, se trata de una variante del Cyberpunk, generalmente basado en la Era Victoriana con locomotoras, zeppelines, y toda clase de locos artefactos a motor. Si tenemos en cuenta que los orígenes de la animación son inventos Victorianos como el Teatro Óptico,




    o el Cinematógrafo de stop motion, podríamos decir que la animación era algo Steam Punk de por sí.



    Ahora, si hablamos del Steam Punk como género en sí mismo… tardarían en aparecer referentes, como todo género específico, tiene una representación significativa en anime pero en animación occidental no deja de ser algo anecdótico. Uno de los primeros ejemplos vendría del bohemio Karel Zeman, un director de stop motion e imagen real con obras como El Fabuloso Mundo de Julio Verne (1958)



    Está basada en el libro de Julio Verne: Ante la Bandera, es un híbrido de stop motion e imagen real en el que intentan imitar el estilo de los grabados originales de la novela, y supuso toda una innovación técnica en su época.

    Otro ejemplo sería el cortometraje británico Great! (1975) de Bob Godfrey








    En realidad se trata de una historia verídica, la del ingeniero Isambard Kindom Brunel, pero todo con un transfondo cómico reflejando una estética de ingeniería loca más propia del Steam Punk que de la historia. En 1975 ganó el Oscar al Mejor Cortometraje Animado.

    Más cortometrajes! The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello, una película de animación con siluetas australiana del 2005. Trata sobre un navegante aéreo que debe viajar para encontrar la cura a una misteriosa plaga que azota la ciudad de Gothia. Maquinas de vapor, zeppelines gigantes como transporte convencional… Con tal de buscar una estética retro, eligieron la técnica de la animación con siluetas Indonesas como homenaje a Las Aventuras del Príncipe Ahmed, el largometraje de animación más antiguo que se conserva, pero a esto le añadieron fondos en varias capas para simular tridimensionalidad, texturas retocadas con Photoshop, objetos creados con 3DMax, efectos especiales con Combustion y retoques de atmósfera con Maya, es un estilo multitécnicas que bautizaron como Anymation. Fue nominado en el 2006 al Oscar al Mejor Cortometraje.



    Como ejemplo de serie de televisión pondremos una española: Willy Fog (1983)


    La Vuelta al Mundo de Willy Fog, basado en la novela de Julio Verne La Vuelta al Mundo en 80 días, precisamente no es ciencia ficción. Esto es algo que yo encuentro curioso, se suele considerar a Verne autor de ciencia ficción, cuando la mayoría de sus novelas son de aventuras. De todas formas la serie Secuela: Willy Fog 2 (¿por qué no inventaron otro título?) versionaron Viaje al Centro de la Tierra, y 20.000 Leguas de Viaje Submarino, ésta última historia sí se puede considerar Steam Punk.




    En este caso Willy Fog es invitado a investigar unas misteriosas desapariciones de barcos atacados por un supuesto monstruo, durante la misión será secuestrado por el Capitán Nemo.

    En esta segunda serie Nippon Animation no participó, en su lugar BRB encargó la animación a un estudio de Taiwan, lo cual se notó en un severo descenso de calidad.
    En 1995 editaron las 3 temporadas como 3 OVAS de 75 minutos: La Vuelta al Mundo de Willy Fog, Viaje al Centro de la Tierra y 20.000 Leguas de Viaje Submarino.

    Pero vamos… no hay largometrajes de animación Steam Punk? En los años 2000, Disney necesitaba encontrar algún género “nuevo”, algo que la distanciase del resto de superproductoras que le comenzaban a pisar los talones, por qué no probar con el Steam Punk? En el 2001 estrenaron: Atlantis El Reino Perdido. (2001)


    Dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, es el primer clásico Disney de Ciencia Ficción. Trata sobre un joven lingüista de 1914 que acompañará a una expedición hasta la ciudad perdida de la Atlántida. Después de las críticas de El Jorobado de Notre Dame, Disney optó por no hacer un musical y basarse en una aventura de acción inspirada en los relatos de Julio Verne, con diseños de Mike Mignola y muchos efectos especiales digitales,

    Recuerdo haber visto una escena aleatoria de la película, y aquellos personajes tenían esas enormes y raras manos cuadradas. Dije al chico al lado mío, “Esas manos molan.” Y él me respondió, “Sí, son tus manos. Hemos estado estudiando en profundidad como hacer tus manos.” Era tan raro que mi cerebro comenzó a echar chispas.

    Mike Mignola

    La idea la crearon justo después de El Jorobado de Notre Dame, como forma de evitar que el personal se dispersase, pensaron en hacer una historia de Aventuras, como Viaje al Centro de la Tierra, pero profundizando más en civilizaciones antiguas. Así que se hicieron unas camisetas en las que se leía: ATLANTIS – Menos Canciones, Más Explosiones. (verídico) y comenzaron a documentarse de tecnología victoriana, espeleología y arquitectura antigua de todo el mundo.

    Hicieron un prólogo en el que unos vikingos son atacados por un leviatán, pero el productor lo desestimó al notar que no era un prólogo que hiciera al público empatizar con los atlantes, por lo que lo cambiaron por un prólogo en el que se mostraba la destrucción de Atlantis.


    Trabajaron 350 animadores y técnicos en los 3 estudios Disney de California, Florida y Paris, la realizaron en cinemascope como homenaje al cine clásico de aventuras. Una curiosidad… Hay gente que considera que Atlantis está basada en Star Gate, y que el personaje de Milo, el lingüista, está basado en Daniel Jackson. En realidad Milo es una caricatura del doctor Marc Okrand,  un lingüista habitual en Hollywood, creador entre otras cosas de la lengua Klingon de Star Trek, que ficharon como consultor para que crease la lengua Atlante.

    Otra gente le ha encontrado similitudes con los animes steam punk  Nadia: The Secret of Blue Water (1990) y El Castillo en el Cielo (1986), en personajes, conceptos, tramas... Los directores declararon que aunque son fans del anime, no conocían esas películas,  (esto huele muy mal) que se habían basado en 20.000 Leguas de Viaje Submarino, a lo que Anime News Networks respondió: Se pueden encontrar demasiadas similitudes en las tramas que no están conectadas a la novela original como para que sea una mera coincidéncia.


    También hubo quejas de que la película era una crítica al Imperialismo Americano, y que pregonaba el segregacionismo moral… sin embargo se trataba de los preceptos de las sociedades utópicas de la literatura de H.R. Wells (el otro gran inspirador del género Steam Punk)

    Con todo esto, la película se estrenó justo en la época en que la animación 2D comenzaba a morir, Atlantis no pudo competir contra algo del tamaño de Shrek por lo que tuvo un éxito muy moderado y críticas irregulares. La crítica concretamente alabó que Disney se atreviera a romper con sus dogmas y hacer algo tan atrevido, pero notó que Disney no dejaba claro a qué tipo de público iba dirigida esa película. Cancelaron la atracción temática que iban a construir en Disneylandia así como la serie de TV, que se vio reducida a una OVA: Atlantis el Retorno de Milo (2003)


    En realidad iban a preparar una secuela por todo lo alto llamada Shard of Chaos, pero debido al bajo éxito de El Reino Perdido, optaron por compilar los 3 episodios pilotos de la serie inédita Team Atlantis como una historia autoconclusiva. El doblaje está interpretado por los mismos actores que la película original, salvo Michael J. Fox y Steve Barr.

    Trata sobre Milo, ahora como marido de la nueva reina de la Atlántida, que recibe la visita de sus compañeros, que le requieren para investigar una serie de sucesos paranormales: El ataque de un Kraken, unos coyotes de arena en Nuevo Mexico, una re-encarnación de Odin en las montañas de Noruega…  que creen relacionados con los misterios de la Atlántida. Tenían pensadas más historias, sobre Puck, El Monstruo del Lago Ness, los Guerreros de Terracota e incluso un crossover con Gargoyles, pero nada, que no se hará la serie.

    Pero Disney no se rindió, y al año siguiente estrenó otra película Steam Punk aún más cara que Atlantis: El Planeta del Tesoro (2002)





    Una adaptación en Ciencia Ficción de la novela de Robert Louis Stevenson: La Isla del Tesoro. Se estrenó tanto en cines convencionales como en IMAX, la realizaron con una técnica nueva de Cel Shade que habían experimentado con Atlantis que consistía en añadir los personajes en animación tradicional como textura de sus propios volumétricos en 3D. Al igual que Atlantis, fue nominada a un Oscar al Mejor Largometraje Animado.


    Trata sobre Jim Hawkins, el hijo de una tabernera de un puerto espacial que se encuentra a un astronauta moribundo que le cede una esfera holográfica que contiene la ruta hacia el Planeta del Tesoro, bajo la advertencia de “No Confíes en el Cyborg”. Entonces junto con el doctor Delbert Doppler, forman una tripulación para encontrar el Tesoro, pero entre ellos está John Silver, el cocinero, un Cyborg que a Jim le da muy mala espina.

    La idea de esta película la tuvieron en 1985, pero Disney desestimó la idea y prefirió apostar por La Sirenita. Finalmente en 1997 aprobaron el proyecto ya que querían poner a prueba la tecnología Tradigital antes de que Dreamworks les sacara demasiada ventaja. Tardaron 4 años y medio en realizarla empleando 1.027 técnicos.


    Optaron por hacer un diseño más orgánico de lo habitual en ciencia ficción, con naves de madera, tonos cálidos y sin trajes de astronauta, es un universo lleno de éter, atmósfera respirable. El brazo robótico en 3D de John Silver lo probaron sincronizándolo con una escena del Capitán Garfio de Peter Pan y prepararon modelos a escala de los personajes para los diseñadores.


    Pero nada que hacer, fracasó en taquilla, recaudó 110 millones de dólares (costó 140) y tuvo críticas irregulares. Total que también cancelaron el proyecto de secuela, serie de TV… y acabaron por declarar el fin de las producciones Disney en 2D. Podéis ver el diagnóstico sobre el fracaso de Planeta del Tesoro AQUÍ.

    USA TODAY: Lo más admirable que tiene es el arte en combinar lo futurista y lo retro, no tiene el Encanto de Lilo & Stitch ni la espectacular maestria de El Viaje de Chihiro, pero es una aventura familiar correcta y divertida para estas Navidades.


    El Viaje de Chihiro si bien es una película de fantasía oriental, tiene ciertos detalles Steam Punk, no se trata de una película del género como es El Castillo en el Cielo u otras películas de Miyazaki de las que hablo en la sección anime.


    El género Steam Punk no ha funcionado bien en animación occidental. Tras los dos chascos de Disney dudo que vuelvan a atreverse a tocarlo, y en mi opinión es una lástima, es un género muy estético que en imagen real, cómic y manga-anime sí ha gustado. Por el momento es un género muerto en animación occidental, si vuelve a surgir algo, sin duda serán nuevas versiones Julio Verne… o por qué no versionar obras de H.R. Wells o Mary Shelley? o cómics como La Liga de los Hombres Extraordinarios, El Corazón del Imperio o Battle Chasers?

    VER ESPECIAL STEAM PUNK EN ANIME
    VER ESPECIAL CYBERPUNK
    VER ESPECIAL WESTERN FUTURISTA

    ESPECIAL OSCARS 2004

    Disney había producido Zafarrancho en el Rancho, una película de animación tradicional, Michael Eisner acudió a la academia como de costumbre, a recibir alguna nominación por mejor largometraje animado o mejor banda sonora, como era habitual... pero no hubo ninguna nominación, se encontró un personaje vestido con una túnica negra y una guadaña, sostenía un reloj de arena en la otra mano huesuda, y al caer el último grano de arena... señaló a Michael Eisner y éste desapareció entre una nube de humo.

    Dreamworks había eliminado  la animación tradicional el año anterior, y ahora triumfó con El Espanta Tiburones

    Un absurdo plagio de Buscando a Nemo nominado a un Oscar, y también lanzaron Shrek 2



    Esta sí, es la mejor película que Dreamworks-PDI haya hecho nunca, las dos películas fueron nominadas al Oscar al Mejor Largometraje Animado, si bien Shrek 2 no lo ganó, superó en taquilla y popularidad al largometraje ganador: Los Increíbles, de Pixar.





    Aunque se trata de una película entretenida y con un diseño excelente, no se trata de una obra mejor que Shrek 2, se notaron las intenciones de la academia de atenuar la guerra comercial entre Dreamworks y Pixar.

    Otras divisiones de Disney estrenaron películas como Mickey's Twice Upon a Christmas de Disneytoon Studios o Bionicle 2: Legends of Metru Nui de Miramax, y estaban preparando Chicken Little.

    Image Movers, que aún no era de Disney, estrenó Polar Express, Mainframe animation estrenó Barbie as the Princess and the Pauper y Popeye's Voyage: The Quest for Pappye, MGM: Bratz, la película, Paramount: G.I. Joe: Valor vs. Venom, Tundra Entertainment: In Search of Santa.

    Fox-Blue Sky estaba preparando Robots, Sony Pictures: Open Season,  Nickelodeon: BarnyardSquare Enix: Final Fantasy VII Advent Children y Animal Logics... algo terrible.

    Blur Studio fue nominado a un Oscar al Mejor Cortometraje Animado:

    Gopher Broke - Blur Studio - Jeff Fowler and Tim Miller



    Y Australian Film Television a otro:

    Birthday Boy - Australian Film Television and Radio School - Sejong Park and Andrew Gregory



    Todo ello en deslumbrante CGI.

    El único gran éxito en animación tradicional del 2004 fue Bob Esponja la Película.

    LA ANIMACIÓN TRADICIONAL HABÍA MUERTO 


    Otros Cortos Nominados:

    Lorenzo - Walt Disney Animation Studios - Mike Gabriel and Baker Bloodworth



    Guard Dog - Bill Plympton




    Y el Ganador, en Animación Digital, pero...

    Ryan - Chris Landreth - National Film Board of Canada




    Los Canadienses se habían sumado a la animación CGI, pero sin caer en el error de "imitar a Pixar", como podemos ver utilizan la animación como recurso artístico psicodélico para reflejar las micro-emociones de los personajes.

    Sí, estoy de acuerdo con la decisión de la Academia.

    Oscars a los Mejores Efectos Especiales:

    Yo Robot



    Harry Potter y el Prisionero de Azkaban



    Ganador: Spiderman 2




    Adiós Stitch, Adiós Príncipe de Egipto, Adiós Burbuba, Pétalo y Cactus...


    Adiós Gigante de Hierro, Adiós Anastasia, Adiós Bob Esponja...


    Fuisteis los últimos personajes populares de 2D. Erais grandes y sin embargo... vuestra época llegó a su fin.

    Y mientrastanto los japoneses seguían con Shin Chan, Doraemon, Detective Conan, Inuyasha, Gundam Seed, Naruto, One Piece, Pokemon, Yu-Gi-Oh!, y estrenaron Appleseed, Beyblade la película, Ghost in the Shell 2, El Castillo Ambulante de Ghibli y Steamboy de Katsuhiro Otomo, la película de anime más cara de la historia.

    En pleno auge de los dos mercados, se había creado una cisma para evitar que la animación americana y la japonesa se destruyeran mutuamente: los Americanos se quedaron con 3 dimensiones, y los japoneses con 2.

    jueves, 22 de diciembre de 2011

    9 (2005)

    9 - UCLA Animation Workshop, Thinkart Films - Shane Acker



    Un cortometraje en animación CGI Post-Apocalíptico en el que luego se basaría la película homónima de Tim Burton. La verdad es que a nivel estético me parece muy original e interesante.

    WALT DISNEY - 10: La Decadencia Ochentera


    VER ESPECIAL WALT DISNEY ENTRE 1982 Y 1989

    y en la sección Anime:



    VER ESPECIAL STUDIO DEEN

    ESPECIAL OSCARS 2003



    VER ESPECIAL OSCARS 2003

    Korgoth of Barbaria

    Pero mi parodia de Fantasía Épica favorita es Korgoth of Barbaria





    Se trata de una serie inédita de Aaron Springer, en el 2006 se emitió un capítulo piloto en Adult Swim bajo el falso anuncio de que la serie continuaría próximamente, instantaneamente aparecieron fans realizando peticiones formales para que continuasen emitiéndola, pero entonces aclararon que no se iba a hacer, la serie había sido cancelada antes incluso de que comenzara su producción. Desde entonces no han parado de circular rumores sobre si se retomaría o no la serie, en el 2010 Adult Swim publicó una lista de shows que NO iban a emitir, entre ellos se encontraba Korgoth con el comentario "demasiado caro".

    Se trata de las historias de un bárbaro ultra-cazurro, borracho y ninfómano masacrando monstruos en un mundo post-apocalíptico de espada y brujería, planteado como parodia de Conan el Barbaro y de la fantasía épica en general y con banda sonora Thrash Metal de Lee Holdridge.

    Saliéndonos ya de las parodias, Pixar pronto estrenará Brave, una historia de fantasía que apunta a algo realmente bueno.

    Thundercats

    En los años 80, Toru Hara dejó Topcraft para formar parte de los Estudios Ghibli, por lo que Rankin & Bass se dedicaron a encargar Saturday Morning Cartoons a Pacific Animation, series como Thundercats (1985),




    Se trata de una serie de Rankin & Bass de Western Anime sobre unos guerreros alienígenas felinos que debieron abandonar su planeta para instalarse en la Tercera Tierra, mientras que unos mutantes quieren robarles la espada del Ojo de Thundera, la fuente de su poder.

    Duró 5 años con un total de 130 episodios, en 1985 produjeron una OVA: Thundercats HO the Movie emitida en USA como los 5 episodios de la segunda temporada.

    VER TRAILER

    y entre el 2008 y el 2009 Warner anunció su intención de producir un largometraje CGI, realizaron un clip de prueba, pero parece ser que al final desestimaron el proyecto tras el fracaso de Speed Racer. En cambio resucitaron la franquicia en el 2011 con una serie de TV de Cartoon Networks, realizada por el estudio 4º, trata sobre el ascenso al trono de Leonio, tiene una estética más oscura que la serie original y le han restado importancia a las tramas de ciencia ficción.



    En los 80, los Life Actions de Fantasía Épica se estaban volviendo muy populares, Bakshi quiso aprovechar y producir otro: Fire & Ice (1983), con el ilustrador de fantasía épica Frank Frazzeta